BIOGRAPHIE
A Wonderful Journey
in Search of Light
- On the works of
KIM Myoung Nam -
The tendency to develop one’s style toward the pursuit of abstract paintings - in which the subject is gradually eliminated from the natural subject - is a path followed by many artists. Expansion of methods, in which artists shift from relatively light media such as watercolors or drawing toward oil or a combination of multiple forms of media has also become a noticeable tendency in modern times. Artist Kim Myoung-nam’s works show both of these tendencies.
It is not too much of a generalization to say that almost all artists work initially with nature as the subject. Attempts to pursue abstract work from the start are highly exceptional. Since the standard is set on released works, it can be expected that there might be certain adaptation to and deviation from the motif of nature in the process of study.
Kim’s works in the 1990s are dominated by the use of subjects like landscapes and still life in terms of content. Even though the landscape and still life are subjects that can be easily approached by anyone, Kim gives them a weight and depth that cannot be accessed with ease, perhaps due to her use of materials that are not commonly found, or the boldness given by the expression of the objects. The stubbornness of her choices and free-spirited expression give off a unique afterglow and warmth that ceaselessly move beyond all reasonable bounds. Such individual pictorial elements may have opened up the path of abstract paintings as the gradual deconstruction of nature and autonomy of expression. In other words, we cannot overlook the fact that signs of change are already notably revealed in her earlier works in the 1990s.
“Kim Myoung-nam is strictly a watercolor painter. She has had more than 40 exhibits and won more than 10 awards, all of which were for her watercolor paintings, and as such she may be regarded as a true watercolor painter (art historian Yoo Sung-woong).” As indicated by this statement, Kim started out as a watercolor painter and seems to have devoted herself to watercolors for a considerable amount of time at first.
Watercolor works have different characteristics from tableau made with oil colors. The difference is revealed in the characteristics of water-based material as well as the limited standards of artwork. Due to these factors, watercolor paintings are sometimes perceived as a “lighter” genre than oil paintings or works with other materials. They may be widely referred to as light paintings due to the transparency of the material, but in terms of artistic value, a relative comparison with oil paintings or other media is inappropriate. Watercolor paintings clearly have unique attributes that are different from oil paintings, which means that they should be evaluated as an independent medium. Moreover, in the case of Kim, watercolors must not be taken lightly, as they have had a crucial effect and influence on her entire journey of creation. In some ways, this is even more true in terms of the emblem of transparent consciousness in the context of all her artworks.
In the 2000s, her works begin to show the tendency of a broad expansion from mixed media to installations, showing a convergence of a greater variety of media. Nonetheless, we cannot overlook the fact that the key factors that support her entire collection of works are the implementation of a transparent consciousness and intensifying self-control.
Many stories are gathered and deposited on the canvas, leaving a profound afterglow. The entitlement of memory that frequently appears in her works is an hommage to the things that have passed. The ceaseless emotion of repentance that traces the mists of memories will be recalled sometimes as susceptibility and other times as lonesome sympathy. This may be why viewing her work makes us feel as if we are reading a poem. In the earlier days, people in the East most highly rated the realm in which poetry is in a painting and a painting is in poetry. Even without this application, her paintings are definitely like poems. We cannot help but listen attentively to the internal resonance that is deepened by controlled emotions, and the moderation of compressed expressions.
The artist’s recent works reveal signs of another change. Let’s hear what she says.
“With my life in travel, I make holes on canvas with an awl as I spread out the encounters of my destinations and precious memories like a diary. In this way, I express my childhood and the cultures and lives of the three countries I’m involved with through the holes made inside my works. Hoping for light and air and even our souls to communicate through those holes, I continue to make holes with a needle in the anticipation of a new journey, developing imagery and setting out on a sketch journey in search of each and every path made with a needle.”
Cecile Oumhani also had the following to say:
“Now artist Kim Myoung-nam shows a new aspect of her works, or rather, a whole new phase of creation at the extension of the oeuvres she has strictly pursued with passion until now. Colors disappear into pure white, and the audience feels dizzy in front of the texture of hanji (Korean handmade paper) emphasized with a play of light. That light is overflowing with the mystery of immenseness... Kim’s recent works drag us toward covert lights that cannot be easily expressed, and within that humans modestly find their places, enchanted by the things that are beyond their capacity.”
By making holes on hanji with needles, the amazing acceptance of lights that have been hidden is revealed on canvas. This is clearly an attempt at a furtive approach to a fundamental thing that is different from the joy of the jaunty colors that have previously been expressed by the artist.
What do lights mean to us? Through the long history of painting, how have lights been materialized? Faced with this fundamental question, it all would seem like a wonder for anyone.
Now we cannot help but contemplate the depth of the artist’s works as a marvelous journey in search of lights.
Oh Kwang-su (Art Critic, Director of Museum SAN)
Cécile Oumhani
As far as the eye can see, windows open on the secret faces of our world… Myoung Nam Kim spells out the multiple which, unknown to us, runs along our days. Beyond the blindness that holds us back where we live, she grasps those fragments of being, restores them to light and colour. They come to life, restored to the fullness of a meaning she unveils in its elusiveness and transience. Depths of that translucence pervaded with infinity, it can barely be seen as it suggests what will not be seized. Overhanging heights and their dizzy peaks, she uncovers the secret of surfaces as they open up, offered to time and quest. She celebrates the hidden grains inscribed with a story that is to be read within its deepest curves. Suppressed spring, brimming with odysseys of plants, she reveres those silent depths where softly throbs the pulse of the earth. Inner places of being and yet haloed with light, touched by a transparence where they cross, become superposed and meet. Can there be a more beautiful vision of the otherness that founds our sense of being? That which shines through, then fades away to welcome and then comes back again and again, in the ceaseless, impalpable movement of things. Unity regained in the air, in stones, wood and earth… Vastness of what never ends and that we did not know. As far as the eye can see, windows open on what we could not see, windows that are so many moments of being… No labyrinth on this path that is birth. The sand is laden with the memory of the earth because it carried the sea. It carried its waters, received them from one shore and then another, as they were still bathed with a light that came from an elsewhere that now dissolves in them. An elsewhere that radiates and revives subtle solar kinships. It carried the waters then restored them over there, where the sky blurs into the unknown. Native waters, purity offered to a step that leads from one window to another, to be born again to the eye and things. Here we will learn how to see and the world itself is born again, primordial ground, forerunner of a step that will be different. Vastness of sand for the crossing and multitude of what is a fragment, like so many promises of encounters to anyone who chooses its light.
Myoung-Nam Kim,
espace et lumière
A première vue, il n’y a rien. Ou si peu. Du moins résolument si blanc qu’il est difficile d’y repérer quelque chose. Mais on le sait, la première vue n’est jamais suffisante. Toute image, quelle qu’elle soit, exige que le regard s’y attarde. Pour mieux la voir tout d’abord, l’identifier ensuite dans son contenu, l’appréhender enfin dans son dessein. Ce n’est qu’à cette triple condition que l’on peut prétendre entrer dans une image, encore faut-il beaucoup plus de temps et de connaissance pour la saisir dans sa plénitude. Aborder une œuvre dans son étendue est un exercice exigeant qui réclame du regard de prendre la mesure de la trajectoire qui la détermine, de la situer dans le développement d’une pensée en acte et d’en décrypter les séquences pour mieux en saisir la logique interne. Somme toute, il y va d’une procédure qui tente d’en dresser un inventaire pour en établir une archéologie tout en sachant pertinemment que les arcanes de la création demeurent souvent insondables, voire impénétrables.
Les tout derniers travaux de Myoung-Nam Kim s’offrent à voir de façon totalement immaculée, d’autant qu’elle n’y emploie plus aucun pigment qui fasse tache, qu’elle n’utilise plus aucun pinceau ou crayon qui fassent trace, sinon une pointe métallique avec laquelle elle opère tout un lot de perforations en surface du papier qu’elle utilise. Ce faisant, elle réserve à la matière même du papier la possibilité d’informer une image abstraite, lisible soit en creux, soit en relief, selon le côté où on la regarde. Forte de tout un jeu de lignes et de ponctuations aux allures d’une écriture muette et aveugle, les soulèvements du papier structurent le plan de l’image, le rythment et le scandent pour désigner parfois la forme d’un paysage. Il importe alors à l’artiste d’imaginer un mode de présentation de l’objet en suspension dans l’espace. Cela lui permet de jouer avec la lumière et d’inviter le regard à l’observer sous tous les angles, lui conférant de la sorte les possibilités d’une traversée.
A considérer l’œuvre de Myoung-Nam Kim dans son déploiement, l’espace et la lumière s’avèrent comme les données récurrentes d’une démarche tout à la fois expérimentale et poétique. Si le rapport au monde qui caractérise son œuvre peut être mis au compte d’une vision subjective de l’idée générique de paysage, il s’agit surtout d’une aventure qui se développe à partir de la perception du réel pour en extraire quelque chose qui soit à l’écart de toute référence anecdotique ou figurée. D’origine coréenne, installée en France depuis quelques vingt ans, mariée à un Grec, Myoung-Nam Kim appartient à ces artistes qui conjuguent heureusement dans leur travail nombre de références culturelles sans rien perdre de leur propre identité. Mieux : qui l’ont forgée à la source même de cette pluralité. Elevée à la campagne et y ayant grandi, elle s’y est construite dans une relation d’osmose avec la nature. Si celle-ci l’habite de manière originelle, elle n’en a pas moins cherché au fil du temps non à s’en défaire mais à la transcender. Aussi ses images en sont une traduction duelle, sensible et mentale, dont les déclinaisons plastiques tiennent à tout un ensemble de paramètres qui relèvent tant des aléas du quotidien que des expériences artistiques, c’est-à-dire de la sublime collusion entre vie et projet d’œuvre.
Pendant de longs temps, alors qu’elle n’avait pas encore quitté son pays, Myoung-Nam Kim s’est consacrée à la pratique de l’aquarelle dans l’intention de restituer impressions et ressentis face à la nature. Elle en a capté toutes sortes de motifs dont la représentation relevait davantage d’un principe mémorable que d’une prise sur le vif, le médium n’en offrant qu’une image imprécise, vaguement édulcorée, percluse ici et là d’effractions exacerbées par la réserve du papier. Le blanc, déjà ici à l’œuvre. Au mitan des années 1990, il existe dans l’œuvre de l’artiste toute une série de travaux au titre prophétique de L’attente. Elle y a définitivement balayé toute référence à un existant formel identifiable pour ne plus instruire que des jeux de masses colorés, de flux contradictoires, d’étendues sans horizon, bref tout un monde imaginaire, souvent en mouvement et en fluctuation, comme s’il s’agissait de laisser le médium s’inventer son propre paysage.
A force vint l’ennui d’une pratique maîtrisée qui n’offre plus à celui qui l’exerce l’occasion ni de surprises, ni d’impromptus. Mais peut-être encore plus puissant sonna l’irrépressible nécessité de la matière pour elle-même, de s’y engouffrer, de s’y perdre, en même temps que de s’abandonner au vide. Il est ainsi des moments décisifs dans la carrière d’un artiste où il se doit de se remettre en question. De repenser les motivations qui l’animent en son for intérieur et de lui trouver les justes correspondances plastiques qui y feront écho. Le recours au collage, à des matières plus opaques, la mise en jeu de protocoles de travail comme la couture pour souligner l’importance de l’idée d’assemblage, tout un ensemble de procédures composant entre peinture, dessin et gravure l’ont ainsi libérée d’un travail trop retenu. La série Eclosion qu’elle réalise au début des années 2000 atteste une invention plastique qui vise une économie de moyens. En même temps elle procède de la volonté de jouer de contrepoints entre des masses sombres, comme en suspens dans l’espace, sur fond lumineux eux-mêmes constitués de plages superposées dont les valeurs varient en subtiles opalescences. L’impression qui en résulte est de l’ordre d’une épiphanie, de l’avènement d’un monde inconnu qui aurait été tenu au secret.
Il y va en effet de l’idée d’une éclosion avec tout ce que ce mot suppose du dévoilement d’une intériorité, pour ce que le principe qu’en énonce Kandinsky dès 1912 trouve là une formulation singulière et puissante. A preuve, l’œuvre intitulée Mémoire d’âme que l’artiste réalise en 2004 et qui se présente sur le mode de l’installation – toujours le souci d’expérimenter ! – tout en souscrivant au genre avoué du paysage : sur un tapis de sable fin, Myoung-Nam Kim a placé toute une quantité de petites compositions puissamment encadrées, d’une rare intensité, aux allures de miroirs fatigués par les ans contre lesquels le regard bute tout en cherchant à passer de l’autre côté.
Prélude en quelque sorte à l’abandon progressif de la couleur tel qu’il va s’opérer par la suite, cette installation l’est aussi de l’intérêt de l’artiste pour la troisième dimension qui se traduit par la pratique du volume, sinon du relief. Plus spécialement par toute une production de formes élémentaires – récipients, coupes, jarres... – qu’elle réalise selon la technique traditionnelle du raku. Immaculées, elles se présentent comme des sculptures à part entière qu’elle met en jeu dans des dispositifs alliés parfois à des éléments naturels comme le riz. Modelées à la main, cuites au four, privées de fonctionnalité, elles présentent toutes les imperfections brutes du modelage et les potentielles fêlures de la cuisson, se découvrant à la lumière pour jouer d’effets de transparence et souligner les lignes irrégulières de leur crête ou celles acérées de leur fracture. Le volume, c’est encore cette façon d’accrochage que Myoung-Nam Kim organise de grands papiers vierges simplement suspendus dans un espace plongé dans la pénombre et sur lesquels elle projette des formes lumineuses. De l’autre côté (2011) souligne à nouveau cette préoccupation récurrente de l’artiste à ne jamais se contenter de la surface mais à vouloir créer en toutes situations les conditions d’une circulation, qu’elle soit du regard ou du corps. Une façon d’embrasser l’espace de tous côtés, dans toutes les directions, entre la matière et son absence, en quête d’une paix intérieure.
Jouer et déjouer les attendus d’une image, c’est l’un des objectifs du travail de Myoung-Nam Kim. A ce titre, elle n’a pas hésité ces dernières années à faire soudainement entrer la figure humaine dans son travail alors même qu’elle ne l’avait jamais encore convoquée. On s’étonnera donc de l’y voir surgir sur le mode de petites figurines, ordinairement employées par les maquettistes pour donner une échelle à leur projet. L’artiste les colle ici et là, à même la surface de ses grandes compositions faites de découpes et de percées en tous genres, en place et lieu qui en structurent l’ordonnancement. Il en résulte un ensemble d’images pour le moins surprenant. En effet, tel procédé ne confère pas vraiment aux œuvres de Myoung-Nam Kim une quelconque dimension narrative parce que ces figurines ne racontent pas entre elles une histoire ; elles ne déterminent pas la trame d’un récit. En revanche, comme elles affichent des postures différentes – elles sont tour à tour assises, debout, accroupies, etc. -, elles chargent l’œuvre d’une dynamique quasi incarnée.
Leur anonymat, l’absence de toute expression autre que physique, leur qualité d’objet sériel en font les parangons d’une iconographie universelle et c’est à une idée très générale de l’homme qu’elles renvoient. Elles ne sont rien d’autre que l’image minimaliste de la figure humaine, appréhendée comme une entité abstraite et destinée à faire contrepoint à la géométrie intime du travail. Leur ombre tout en les déréalisant se mêle à celle des jeux de lignes pour nourrir, voire complexifier la lecture de l’image, interrogeant d’autant plus le regard que leur emploi contribue à augmenter la part d’énigme du travail. De plus, elles suscitent toute une réflexion quant à la question d’échelle et au rapport d’espace qu’elles entretiennent avec le plan de l’image. Pour un peu, au vu de leur fragilité, on les verrait s’y mouvoir comme des figures en navigation dans le cosmos. Métaphore de la condition humaine, « de l’autre côté », dans l’espace et la lumière.
Philippe Piguet
critique d’art et directeur de Drawinag Now